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<title>Laodice, reine de Cappadoce. Tragédie</title>
<author key="Corneille, Thomas (1625-1709)">Thomas Corneille</author>
<principal>Georges Forestier</principal>
<editor>Garlonn Moreau</editor>
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<edition>Édition critique établie par Garlonn Moreau dans le cadre d'un mémoire de maîtrise
sous la direction de Georges Forestier (2001-2002)</edition>
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<name>Amélie Canu</name>
<resp>Édition XML/TEI</resp>
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<name>Frédéric Glorieux</name>
<resp>Informatique éditoriale</resp>
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<publisher>CELLF 16-18 (CNRS & université Paris-Sorbonne)</publisher>
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<idno>http://bibdramatique.paris-sorbonne.fr/corneille-thomas_laodice/</idno>
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<sourceDesc>
<bibl><title>Laodice, reyne de Cappadoce, tragédie.</title>
<author>Par T. CORNEILLE</author>. A ROUEN, Et se vend A PARIS, Chez CLAUDE BARBIN, sur le
second Perron de Sainte Chapelle. M. DC. LXVIII. AVEC PRIVILEGE DU ROI</bibl>
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<term subtype="tragedy" type="genre">Tragédie</term>
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<titlePart type="main">Laodice Reyne de Cappadoce</titlePart>
<titlePart type="sub">Tragédie.</titlePart>
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<docAuthor>Par T. CORNEILLE.</docAuthor>
<docImprint>A ROUEN, Et se vend
<lb/>A PARIS,
<lb/>Chez CLAUDE BARBIN, sur le second
<lb/>Perron de la Sainte Chapelle.
<lb/>M. DC. LXVIII.
<lb/>AVEC PRIVILEGE DU ROY.</docImprint>
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<div>
<head>Introduction</head>
<p><hi rend="i">Laodice</hi><note place="bottom"><hi rend="i">Laodice</hi>, Rouen ; Paris,
Barbin ; Quinet, 1668. 12°. <hi rend="i">Priv</hi>. fev. 21, <hi rend="i">achevé</hi>
mars 8.</note> fut représentée en février 1668 l’Hôtel de Bourgogne devant le roi où
elle remporta un grand succès. Elle rappelle sensiblement la manière du grand Corneille,
sans doute parce qu’y sont privilégiées des « passion[s] plus noble[s] et plus mâle[s] que
l’amour, telles que […] l’ambition et la vengeance, et [qui vont] donner à craindre des
malheurs plus grands que la perte d’une maîtresse<note place="bottom">Pierre Corneille,
<hi rend="i">Discours de l’utilité et des parties du poème dramatique</hi>, dans <hi
rend="i">Trois discours sur le poème dramatique (texte de 1660)</hi>, éd. Louis
Forestier, 1963, p. 46.</note> ». Au moment de la représentation, Louis XIV règne
réellement depuis sept ans. Il a divinisé la royauté et donné à la fonction royale un
caractère quasi solaire et pharaonique. Nous sommes en pleine période de fêtes de Cour,
d’opulence. Versailles est en cours de construction. Le totalitarisme monarchique
grandissant justifie donc l’absence de dédicace dans notre pièce.</p>
<p>Thomas Corneille, frère du grand tragique, né à Rouen le 20 août 1625, mort aux Andelys,
le 9 décembre 1709, fut un auteur de talent, l’un des plus populaires de son temps. On lui
reconnaît une remarquable intuition. Il sait les recettes efficaces pour séduire le
public. Sa première tragédie, <hi rend="i">Timocrate</hi>, fut un triomphe extraordinaire.
La pièce la plus applaudie du XVII<hi rend="sup">e</hi> siècle ne fut ni <hi rend="i">Le
Cid</hi> ni <hi rend="i">Andromaque</hi> : ce fut précisément <hi rend="i"
>Timocrate</hi>. Selon Louis Lapert, « Il avait à merveille le flair de ce qui allait
plaire au public, avant que le public ne le sût lui même<note place="bottom">Louis Lapert,
<hi rend="i">Pierre Corneille, ses frères Antoine et Thomas, leur famille maternelle
et leurs amis au Pays de Caux</hi>, Association pour l’animation et la coordination
culturelle à Yvetot et dans le pays de Caux, 1984.</note>. » Thomas Corneille n’a que
31 ans au moment de la représentation. Nous sommes en 1656. On lui connaît également une
amitié étroite avec son frère, de vingt ans son aîné. « Le Grand Corneille » exerce une
sorte de tutelle sur Thomas qui n’a que quatorze ans lors du décès paternel. Il s’occupe
de son instruction, lui apprend l’espagnol. Par la suite, ils épousent les deux sœurs et
vivent sous le même toit. Leur cohabitation étroite facilite la collaboration dans le
travail, ce qui explique que l’on ait parfois parlé d’inspiration réciproque. Ajouté à
cela la facilité de versification de Thomas, tenue pour prodigieuse, et l’on comprend
mieux les origines de certaines anecdotes pour le moins farfelues. Voisenon voulait
notamment qu’une trappe reliant les chambres des deux frères ait permis à Thomas de
souffler des rimes à son aîné. Effectivement très fécond, il fait preuve d’une grande
diversité créatrice : à la fois poète, littérateur, grammairien et géographe, il est loué
par Voltaire qui le décrit comme « un homme de grand mérite et d’une vaste littérature ».
Il produit quarante-trois pièces, une grammaire, un dictionnaire de géographie et
d’histoire, trois opéras, ainsi que des traductions et quelques poésies.</p>
<p>Dans <hi rend="i">Laodice</hi>, Corneille s’éloigne de son habituel penchant pour le
romanesque et la galanterie. Il se libère davantage du goût prédominant du public de cour
pour donner lieu à une tragédie sauvage et cruelle où la galanterie ne tient désormais
qu’une place de second plan et qui s’inscrit en cela dans la lignée de la <hi rend="i"
>Rodogune</hi> et de l’<hi rend="i">Héraclius</hi> de son frère aîné. Il en demeure que
ce type d’intrigue ayant trait aux cruautés Orientales fascine les contemporains. Thomas
ne prend donc pas de risque. Avec un tel sujet, il s’assure au contraire un succès
retentissant. On sait que, comme tout auteur classique, il a pour dessein premier de
plaire. Il connaît les recettes, sait comment séduire un public, comment flatter son
intérêt. Il sait les ruses et les noirceurs efficaces. Les séries noires assurent encore
les succès faciles. L’Orient, avec ses cruautés et ses problèmes dynastiques insensés
constitue un véritable vivier pour tout auteur tragique. Tout se règle à coup de poison,
de parricide. Si ces provinces constituent un fantasme aussi grand, c’est surtout parce
que dans l’imaginaire des contemporains, elles sont la rencontre de l’Occident et de
l’Orient. À noter que l’éloignement tragique autorise la représentation de tels
débordements, et la manifestation du plaisir qu’ils suscitent.</p>
<p><hi rend="i">Laodice</hi> est l’histoire d’une reine, régente du trône de Cappadoce, qui
fait assassiner cinq de ses fils pour se maintenir au pouvoir. Quinze ans plus tard, elle
tombe amoureuse d’un mystérieux jeune homme qui brille par ses qualités, et qui n’est
autre que le survivant – Ariarate – dissimulé sous un nom d’emprunt – Oronte. Une journée
actualise toutes ces tensions, et c’est là que débute notre tragédie.</p>
<p>La crise tragique est d’autant plus violente que l’horreur du passé a été étouffée par
Laodice. Figure de la démesure humaine, elle tente en vain de suspendre le cours du temps,
de retarder les décisions, de bâillonner la vérité, d’étouffer l’horreur pour satisfaire
ses désirs de pouvoir. La tragédie met en scène l’échec de cette volonté, elle met en
scène une agonie.</p>
<p>Dés l’acte I, le spectateur sait, comme Rome, comme Ariarate dit Oronte, comme Phradate
son confident, comme Axiane et Alcine qui exposent la situation, donc le spectateur sait,
comme tous, le dénouement de la tragédie. Il sait que Rome, instruite de la folie de la
reine, vient rétablir l’ordre par l’intermédiaire d’un ambassadeur. Dés le commencement,
la fin est programmée : Aquilius, dont le nom revient comme un leitmotiv au cours de la
pièce, comme pour mieux marquer l’imminence, le rétrécissement du maigre sursis laissé par
« la Reyne des Roys », vient pour révéler l’identité d’Ariarate et le placer sur le Trône.
Seule l’héroïne l’ignore.</p>
<p>Le tragique est là : pendant une longue, harassante journée, une femme réunit ses forces
restantes, puise dans ses ressources les plus profondes pour livrer l’ultime combat,
laissant le spectateur ébloui par tant d’énergie déployée pour une lutte perdue d’avance.
Sauvage, vaine, sublime, <hi rend="i">Laodice</hi> laisse dans l’esprit du spectateur une
émotion violente qui n’est pas sans rappeler celle de la Corrida. Mais, à la sauvagerie
primitive de cet affrontement de forces, Thomas Corneille, en digne homme de son temps,
greffe les noirceurs d’une finesse étourdissante et nécessaire à la séduction d’un public
avide de complications. Ce qui met du sel dans cette intrigue, ce n’est pas la simple
impuissance de Laodice, le fait qu’elle soit le jouet d’une puissance supérieure. Ce qui
intéresse, ce qui divertit, ce qui horrifie agréablement, c’est le fait que l’héroïne
croit jouer, tenir les ficelles alors que c’est précisément elle qui est jouée.</p>
<p>Nous l’aurons compris, Laodice est une tragédie où le temps est bloqué. Dés la première
scène, l’enjeu est fixé : il faudra le débloquer. Les premiers vers :</p>
<quote>
<l>Quoy, le Senat depute, et sans daigner attendre</l>
<l>Qu’icy l’ambassadeur ait le temps de se rendre</l>
</quote>
<p>sonnent déjà comme une imminence. Le sablier est retourné. Dés lors peuvent s’affronter
les volontés contraires et le spectacle commencer : Laodice veut maintenir le statisme
originel de l’univers qu’elle s’est construit tandis que gronde aux portes de cet
espace-temps figé la colère d’un monde extérieur ne pouvant en accepter plus. Le peuple,
Rome, les Princes, son fils, tous, comme saturés du poids de tout un passé étouffé,
resserrent l’étau, pressent. L’horreur tue déborde de partout, suinte, s’infiltre dans son
espace clos. Toutes ces menaces accumulées, ce lourd passé semble n’avoir existé que pour
s’actualiser en un moment et provoquer cette crise tragique. Il faut faire un choix, et
vite. Aquilius arrive sans tarder, Laodice doit agir : se plier à la volonté romaine, ou
ruser pour déjouer leur « Politique ». L’action est donc lancée par la nécessité de ce
choix.</p>
<p>Un second enjeu pousse l’action, privé cette fois : la conquête de l’amour maternel par
un fils cruellement rejeté. Cet enjeu seul justifie le procédé à la mode de la
dissimulation d’identité, procédé qui bien qu’en vogue n’est pas gratuit. Il permet à
Corneille de joindre sphère privée et sphère publique. Si Ariarate ne cherchait pas à
cacher sa véritable identité, Laodice ne serait pas tombée amoureuse de son fils, et
n’aurait pas à dissimuler des desseins qu’elle saurait vains. Autrement dit, sans cette
dissimulation originelle, l’engrenage et la crise tragique n’auraient pas lieu.</p>
<p>La dissimulation est en effet un des moteurs fondamentaux de l’intrigue. Il n’est
question que de complots, de manœuvres secrètes. Laodice à l’acte II révèle à Cléone ses
machiavéliques desseins, à savoir nommer un homme de paille au pouvoir pour devancer la
volonté de Rome ; Anaxandre intrigue auprès d’« Oronte », puis de la reine pour accéder au
trône, il a pour mission, à l’acte IV d’éliminer le faux Ariarate, Ariarate est envoyé par
Rome depuis deux ans pour briguer la volonté de sa mère sous une identité secrète, Rome
envoie un héritier imposteur en Cappadoce pour prévenir les conjurations éventuelles, et
punir par là même son imposture, même Axiane dissimule puisqu’elle se fait violence pour
taire son amour. On cache, donc, on étouffe, on dissimule énormément dans cette tragédie,
du moins s’y efforce-t-on, mais la vérité éclate d’autant plus douloureusement à chaque
fois. Axiane avoue son amour avec la plus grande aigreur, la scène où Ariarate révèle son
identité à sa mère est extrêmement douloureuse et violente, Anaxandre est sauvagement mis
à mort par un peuple qui, informé des intentions parricides de Laodice, entre en furie, et
vient jusqu’aux portes du palais lui crier sa haine et lui proférer des menaces de
mort<note place="bottom">V. 1725 et 1726 : « Joignant insolemment l’injure à la
menace / Du plus sanglant reproche ils armoient leur audace »</note>. Le non-dit
fonctionne donc comme moteur de l’action puisqu’il exaspère les tensions. L’horreur
enfouie, enterrée, rejaillit avec une violence, une crudité décuplée au moment
opportun.</p>
<p>L’intrigue se déroule en cinq temps. Il est d’abord question de ce qui s’est produit dans
le passé, avant que la pièce ne débute. Rome a donné aux fils du roi de Cappadoce, mort au
combat, des provinces d’Asie en récompense de guerre. Pour conserver le Trône, son épouse,
Laodice, en fait périr cinq, et engage un meurtrier pour éliminer le sixième en otage à
Rome. Pris d’horreur, il n’en fait rien et revient en feignant avoir accompli sa
mission. Laodice le croit donc mort et peut ainsi prétexter à loisir attendre son retour
pour se maintenir au trône. Ne reste qu’une fille, Arsinoé – qui n’apparaît jamais.
Seconde étape : l’action débute. Rome et le peuple s’impatientent. Nommer un Roi devient
pressant. Par conséquent, deux issues sont possibles : Laodice fait choix d’un époux pour
sa fille Arsinoé, ou le fils présumé vivant réapparaît et épouse Axiane, princesse de
Cilicie, province annexée par Rome. Parallèlement, Ariarate, qui n’est autre que le fameux
survivant, se dissimule sous le nom d’ « Oronte » et se dévoue à la reine depuis deux ans
dans le but de se faire aimer d’elle. Il exerce une grande influence sur cette dernière
qui ne décide rien sans lui. Ariarate est amoureux d’Axiane mais lui tait son identité
pour s’assurer de la pureté de ses sentiments. Phradate, confident d’Ariarate est lui même
épris d’Arsinoé, dont beaucoup d’intrigants convoitent la main, Anaxandre notamment. Les
problèmes se mettent en place lors d’une troisième étape. Laodice aime passionnément
« Oronte » sans savoir qu’il s’agit de son fils. Afin de satisfaire son désir double, elle
projette d’en faire son époux. Ce faisant, elle le posséderait, règnerait – puisqu’il lui
serait soumis, lui devant tout –, et calmerait les impatiences de Rome et du peuple en
prétextant la nécessité de son mariage pour la conservation d’un trône qui ne serait
restitué par le mari de sa fille. Face à l’annonce de sa volonté, Ariarate, qui prend
cette décision pour une victoire – il a conquis la confiance maternelle – demeure muet,
tandis qu’Anaxandre manifeste de la jalousie. Une quatrième étape voit ces tensions se
développer. Un imposteur apparaît sous le nom d’Ariarate. Il s’agit en réalité d’une
manœuvre de Rome destinée à le punir et prévenir les conjurés éventuels. Laodice, dupée,
sollicite « Oronte » pour éliminer ce fils importun. Ce dernier refuse. Furieuse, elle se
tourne donc vers Anaxandre. Ces tensions se résolvent enfin dans un cinquième temps.
L’imposteur est tué d’un coup d’épée lors d’une querelle de généraux. Laodice feint
l’affliction et soupçonne publiquement « Oronte » de culpabilité. Anaxandre, arrêté par la
volonté d’Aquilius, meurt assassiné par le peuple, et avoue dans son dernier souffle la
culpabilité de la reine. Pendant ce temps, Laodice se déclare à son fils qui lève le voile
sur son identité. Désespérée, la reine se poignarde face au peuple en furie. Ariarate et
Axiane se préparent à annoncer leurs noces au peuple.</p>
</div>
<div>
<head>Les sources de la pièce</head>
<div>
<head>Les sources historiques</head>
<p>Comme l’indique Thomas Corneille dans son avis au lecteur, le sujet de cette tragédie
est tiré du trente-septième livre de Justin. À l’origine d’un abrégé de <hi rend="i"
>L’Histoire universelle</hi> de Trogue Pompée<note place="bottom">Sous Auguste ou
Pompée.</note>, Justin, ne s’agissant pas d’un auteur original, demeure relativement
mystérieux. On le situe au III<hi rend="sup">e</hi> ou IV<hi rend="sup">e</hi> siècle
sous Antonin le Pieux, mais l’on doute même de son nom. <hi rend="i">L’Histoire
universelle</hi> de Trogue Pompée embrassait toutes les nations, les peuples, les
rois. On lui reproche pourtant de manquer d’unité, laissant chaque nation à part.
L’objectif de Justin était de ne composer qu’un « léger bouquet de fleurs ».
Malheureusement, notre abréviateur brise quelque fois la chaîne des faits, supprime au
lieu d’abréger, mutile l’histoire. Il se trompe assez souvent sur les temps, les faits,
les personnes et les lieux. Certains de ses livres pourtant sont les seuls qui nous
restent sur un fait important.</p>
<p>Le livre XXXVII raconte comment Attale, roi de Syrie, sujet à la démence, meurt en
léguant la Syrie à Rome. Le fils de l’oncle d’Attale s’empare alors de l’Asie. Débute
une guerre dont Rome sortira victorieuse. En récompense aux rois qui l’ont soutenue,
Rome donne la Haute-Phrygie à Mithridate, roi du Pont, la Lycaonie et la Cilicie aux
fils d’Ariarathe, roi de Cappadoce mort au combat. Selon Justin, le peuple romain les
traita mieux que leur mère Laodice puisque, « tandis qu’en leur bas âge il étendait leur
empire, leur mère leur ravissait la vie ». En effet, quand plusieurs de ses six fils
atteignirent l’âge adulte, Laodice,</p>
<quote>
<p>craignant donc de perdre bientôt le gouvernement de l’Etat […] fit périr cinq d’entre
eux par le poison. Le plus jeune, dérobé par sa famille à la cruauté de sa mère, se
trouva seul souverain par la mort de Laodice, dont le Peuple punit la cruauté en
l’immolant.</p>
</quote>
<p>Justin fournissait donc juste une matrice tragique au dramaturge : des circonstances
historiques préalables – Une guerre engageant l’Asie Mineure et Rome. La victoire de
cette dernière. Les récompense aux alliés : La Lycaonie et la Cilicie aux fils du roi de
Cappadoce. Leur assassinat par une mère qui craint de perdre le gouvernement. La survie
du plus jeune dérobé à sa mère – présentées dans l’exposition et le résultat ultime de
ces évènements antérieurs – La mort de Laodice et l’accès au trône de l’héritier –
constituant le dénouement de la tragédie. Entre les deux il fallait tout inventer pour
motiver ce que donnait l’histoire : un simple dénouement. Il fallait imaginer, à partir
des données initiales, un enchaînement vraisemblable de causes à effets menant à l’effet
final et qui soit à même d’intéresser le public contemporain et d’être en accord avec
les codes de ce théâtre classique. Il fallait autrement dit mettre en intrigue une
histoire comprenant un certain type de conflit suscité ici par la passion noble qu’est
l’ambition ; un certain type d’action, illustre, extraordinaire, sérieuse, confrontant
ses héros à de grands dangers ; un certain type d’effet, enfin, produit sur le public,
soit ici la terreur, plus que la pitié. Comment, en d’autres termes, faire déchoir la
reine de son trône en mettant en relation cette déchéance avec la survie d’un fils
qu’elle aurait fait périr s’il ne lui avait été subtilisé ?</p>
<p>Tous les évènements mis en scène entre l’exposition et le dénouement sont donc le fruit
de l’imagination de Thomas Corneille, comme lui même le fait entendre :</p>
<quote>
<p>Le sujet de cette tragédie est tiré du trente-septième livre de Justin. Ceux qui
auront la curiosité de l’y chercher, connoistront ce que j’ai adjousté à l’Histoire
pour l’accommoder à nostre Theatre<note place="bottom">Cf l’avis au lecteur de <hi
rend="i">Laodice</hi>.</note>.</p>
</quote>
<p>Le nœud et les rebondissements, soit l’essentiel de l’action ne sont donc que « des
embellissements de l’invention et des acheminements vraisemblables<note place="bottom"
>Pierre Corneille, <hi rend="i">Trois discours sur le poème dramatique</hi>.</note> »
à l’effet que présente l’histoire, soit la mort de la reine infanticide et tyrannique et
le couronnement d’un fils qui lui a été dérobé. Nous reprendrons donc le raisonnement
présenté par Georges Forestier dans son ouvrage <hi rend="i">Essai de génétique
théâtrale. Corneille à l’œuvre</hi> pour montrer comment notre dramaturge a lui aussi
utilisé le principe de la cause finale pour mettre en intrigue un récit historique. Soit
comment, loin de procéder en cherchant à tirer une histoire cohérente de ce récit, il a
au contraire dégager de l’histoire un seul élément fondamental, à savoir l’échec d’une
reine tyrannique et infanticide à garder le pouvoir, qu’il constitue en dénouement de sa
tragédie. Nous allons voir encore comment à partir de ce qu’il instaure en sujet, il
reconstruit à rebours un enchaînement de cause à effet et qui donne l’illusion de
conduire l’histoire à sa fin, faisant de ce sujet la cause cachée des actions. Nous
verrons en d’autres termes comment Thomas Corneille, comme son frère, obéit à un
principe de composition régressive, de construction à rebours déduite de la matrice
originelle fournie par l’histoire.</p>
<p>Comme il le dit dans son avis au lecteur, ce qui compte donc fondamentalement pour
Thomas Corneille dans l’histoire racontée par Justin est le caractère de Laodice, qui le
pousse à affaiblir la force de l’action principale pour lui laisser toute son étendue.
Ne comprenons pas par-là que le disciple du grand Corneille ait fait l’erreur de
construire son action à partir du caractère de la reine, simplement il construit son
action autour de ce personnage fondamental. Le fils, dont il est également question dans
l’histoire, constitue donc un personnage épisodique. Il ne faut pas l’intégrer à
l’action principale contrairement à ce que l’on serait tenté de faire. En mettant un tel
sujet en intrigue, Thomas Corneille a en effet choisi de dramatiser, comme son frère
avec <hi rend="i">Rodogune</hi>, l’histoire d’une seconde Médée, et non la manière dont
un héros héritier légitime parvient à se réapproprier le trône – comme dans <hi rend="i"
>Héraclius</hi>, également fondé sur le déguisement – en se confrontant à un tyran
criminel. Ceci dans notre pièce, bien qu’étroitement lié à l’action principale, est de
l’ordre de l’épisode.</p>
<p>Ce qui intéressait le dramaturge était la mise en scène de l’agonie d’une reine
infanticide, le pourquoi et le comment de son échec à garder le trône. Notons que
l’appui de l’histoire préservait l’auteur de toute querelle concernant une éventuelle
invraisemblance de caractère. De plus le sens moral de l’histoire était préservé puisque
la reine était punie pour ses crimes. Seulement, pour développer le caractère tragique
d’un dénouement initialement trop simple, Thomas Corneille en a légèrement modifié le
terme. Il fallait pour que ce dernier soit hautement tragique qu’il se fonde sur un coup
de théâtre qui inverse l’effet des actions<note place="bottom">À la différence du sujet
simple ou l’on passe du droit fil du bonheur au malheur.</note>. D’où l’idée d’une
reconnaissance finale dont le caractère tragique serait l’une des causes de la mort de
la reine. Il était donc plus intéressant pour lui de rendre non plus le peuple, mais la
reine elle-même responsable de sa propre mort. D’une part parce que cela semblait plus
vraisemblable par rapport à son caractère – en rendre le peuple responsable lui ôtait de
sa grandeur et de sa dignité, tandis que le suicide mêlé à l’insulte, faisant culminer
sa fureur, en faisait une criminelle plus parfaite encore – d’autre part parce qu’ainsi,
cela motivait la reconnaissance – et permettait ou donnait l’occasion à Corneille
d’avoir recours au procédé à succès du déguisement.</p>
<p>Mais avant de dresser la liste des autres modifications et inventions du dramaturge,
penchons-nous d’abord sur l’action principale qu’il construit à partir de cette matrice.
Sachant que toute l’action tragique tombe sur la reine, voici la manière dont il
l’agence : Une reine qui a déjà fait périr ses fils doit remettre le pouvoir à quelqu’un
– commencement –, elle décide de garder le pouvoir à tout prix, en épousant son favori
qu’elle ignore être son fils ou en tuant celui qu’elle croit être son fils – milieu –,
après avoir appris la vérité, elle se donne la mort – fin. Corneille, à partir de
l’élément minimal de sa mort, soit à partir de cet effet, a donc imaginé les moyens d’y
parvenir, en prenant en compte les infanticides et la sauvegarde du plus jeune fils. De
fait, pourquoi la reine mourrait-t-elle volontairement ? Parce qu’elle est démunie, n’a
plus rien, à commencer par ce pouvoir qui est sa motivation fondamentale, mais il faut
trouver autre chose pour Corneille, et qui soit en relation plus directe avec ce fils
dont elle a voulu la mort. Par ailleurs, comment utiliser le déguisement – et le
justifier dans l’intrigue – pour qu’il soit à même de provoquer le suicide de la reine ?
Se rappelant les conséquences de l’ignorance d’identité d’Œdipe, Corneille a alors sans
doute l’idée d’un amour coupable liant la mère au fils, mais seule l’ignorance
d’identité pouvait permettre la naissance de tels sentiments, or Ariarate doit connaître
son identité pour pouvoir reprendre sa place légitime. Il faut donc faire en sorte que
seule Laodice nourrisse de tels sentiments, et qu’elle les lui taise jusqu’au dénouement
afin de ménager la crise et de la pousser au suicide. L’orgueil de la reine, qui comme
toute reine de tragédie, se doit ce qu’elle se doit, motivera ce mutisme. Pour provoquer
la terreur, il faut pourtant mettre ces sentiments en jeu, les actualiser. Corneille
imagine donc un risque d’inceste – à peine un risque puisque « Oronte » sait qu’il
s’agit de sa mère et se démasquera dés qu’il sera conscient du risque – en poussant sa
reine à vouloir épouser celui qu’elle ignore être son fils, tout en parvenant à ce
qu’elle ne dévoile pas ces sentiments. Il faut donc trouver un prétexte à ce mariage sur
le plan interne : l’ambition guidera le désir de la reine autant que l’amour, ce mariage
constituera tout autant une manœuvre politique qu’un assouvissement amoureux. Mais il
faut encore inventer un but vraisemblable au déguisement de l’héritier légitime. Car
pourquoi se déguiser si l’on se sait le juste détenteur du pouvoir ? Comme Corneille le
lui fait dire au dénouement, si son désir avait été ce seul pouvoir, Ariarate ne se
serait pas dissimulé deux ans durant à la cour – temps nécessaire au développement des
sentiments passionnés de Laodice à son égard. Il faut donc trouver autre chose :
qu’est-ce que ce fils haï pourrait chercher à obtenir et qui l’obligerait à agir de
manière indirecte ? Corneille trouve alors l’idée d’une variation de la conquête
amoureuse : la conquête de l’amour maternel. Ariarate sera motivé par une quête de
l’amour maternel. Voilà pour la première motivation du suicide de la reine : l’horreur
de la découverte d’un amour dénaturé.</p>
<p>Reste la seconde motivation du suicide, et que Corneille ne peut occulter puisqu’il
s’agit de la perte du pouvoir, et que la passion de commander est la motivation de
l’action principale. Elle est qui plus est donnée par l’histoire. De plus le déguisement
d’Ariarate empêche par définition les affrontements directs et, ajouté à la
dissimulation morale de Laodice, il est facteur de malentendus qui empêchent la violence
d’un conflit à visage découvert – même à l’acte II, 3, où Laodice demande à « Oronte »
de tuer celui qu’elle prend pour son fils et où le malentendu est en parti démêlé
puisque « Oronte » sait qu’elle haïra toujours son fils, celui-ci tente raisonnablement
de la fléchir mais ne profère pas de menaces allant contre la volonté de la reine.</p>
<p>Il faut donc trouver des adversaires directs à Laodice, qui entrent plus violemment en
conflit avec sa volonté, et qui la poussent à la destitution du pouvoir et donc au
suicide. Ariarate ne désirant pas avant tout ce pouvoir mais l’amour maternel, il ne
pourra d’autant moins s’agir de lui. Contre le désir de qui pourrait-elle donc entrer en
conflit et se battre pour conserver ce pouvoir dont la perte la mène à un désespoir tel
qu’elle se suicide ? Pour quelles raisons, dés le commencement de l’action, devrait-elle
remettre le pouvoir en d’autres mains ? C’est là que Corneille fait ré intervenir le
peuple dont il était question dans les faits historiques : le peuple donc, la <hi
rend="i">vox populi</hi>, ferait pression pour qu’elle quitte le trône – car le peuple
ne peut aimer un tyran, cela prouve donc le caractère tyrannique de la reine – et pour
faire contre poids à cette force déraisonnée et joindre le premier épisode à celui ci,
Corneille pense donc à Rome. Rome, et non plus la famille de Laodice aurait préservé
Ariarate de ses fureurs en gardant l’enfant en otage jusqu’à ce qu’il soit en âge de
régner et attend, pour le placer sur le trône, que ce dernier se soit, comme il le
souhaite, attiré les bontés de sa mère – attente qui permet de ménager le dénouement et
de laisser l’intrigue se développer. Mais il faut, rappelons le, trouver, en attendant
la reconnaissance, une raison légitime et qui passe pour légitime aux yeux de la reine
pour que celle ci se sente menacée. Corneille lui invente donc une fille en âge de se
marier, absente de l’intrigue et dont l’existence seulement est utile. Le peuple et Rome
semblent donc en droit d’attendre que cette fille prenne époux et couronne par là un
nouveau roi. Cette création donne l’occasion à Corneille de créer un personnage
intrigant et aspirant au trône : Anaxandre. De même et inversement, elle donne lieu au
personnage de Phradate, pour sa part sincèrement amoureux d’Arsinoé, et qui fera office
de confident au héros. Mais il faut une intrigue amoureuse entre deux jeunes gens et
c’est là qu’intervient Axiane, princesse d’une province annexée et à qui Rome destine le
fils héritier s’il réapparaît. On voit donc comment le dramaturge imbrique étroitement
des épisodes à son action principale, qui la recouvrent et en font par là même une
intrigue.</p>
<p>Le nœud de cette intrigue, à savoir le fait que la reine veuille épouser son propre
fils et les rebondissements – l’intervention de l’imposteur qu’elle veut que son vrai
fils assassine, l’intervention d’Aquilius qui révèle l’imposture et l’arrivée du
véritable héritier, la résignation de Laodice pour qui l’amour est désormais plus
important, la déclaration à « Oronte » qui débouche sur la reconnaissance et donc le
suicide – sont donc inventés par le dramaturge. Il est important de remarquer que le
nœud de l’intrigue est mis en place longtemps avant le commencement de l’action, ce qui
classe la pièce dans la catégorie des pièces implexes : « Oronte » est à la cour depuis
deux ans, la reine l’aime déjà avant le commencement de l’action… À la différence des
pièces simples, il n’y a pas en effet de coïncidence exacte entre l’histoire et
l’action, il faut à l’inverse charger sa mémoire de ce qui s’est fait bien plus tôt.
C’est donc l’ampleur de l’histoire et non l’action qui détermine ce classement.</p>
<p>On remarquera donc que le nom du sixième fils de Laodice est emprunté au père défunt de
l’histoire, et que le peuple est plus directement à l’origine de la mort de la reine que
dans la pièce de Corneille. Corneille invente encore une fille héritière, Arsinoé que
convoitent deux soupirants également imaginés. Une autre princesse, Axiane, un
ambassadeur romain, Aquilius, ainsi qu’un imposteur sont également le fruit de son
imagination. Hormis Laodice et le jeune roi, les personnages sont donc imaginaires. On
retrouve le nom d’Arsinoé dans l’histoire de l’Orient à cette époque, mais n’intervenant
pas sur scène et étant destituée de tout rôle dans la pièce, peut-on la considérer comme
un personnage ? La protection romaine du plus jeune fils est également imaginée par
Corneille, rien n’étant précisé par Justin. Cette occultation permet à notre auteur
d’introduire la présence de Rome dans la pièce et de lui donner l’importance qu’il
désire. Malgré l’affirmation de Corneille dans son avis au lecteur : « L’action
principale y est si forte qu’elle m’a contraint d’affaiblir les Episodes », nous ne
voyons pas ce qu’il prétend avoir édulcoré. Il a tout conservé des données
initiales puisque nous avons toujours une reine infanticide par ambition, mais il les a
rendues plus horribles encore en y greffant un désir incestueux et une seconde tentative
d’infanticide.</p>
</div>
<div>
<head>Les influences littéraires</head>
<p>On sait combien les sujets reviennent dans la tragédie classique plus que dans
n’importe quel autre genre. Parce que le théâtre classique est un théâtre régulier par
essence, on y observe un retour obligé de types, de situations, d’expressions,
d’hémistiches ou encore de vers entiers. Le théâtre classique est un théâtre de
constante. Le culte de la pulsion de création est inconnu à l’auteur du XVII<hi
rend="sup">e</hi> siècle. La qualité d’une œuvre n’en dépend pas. Le copiage est perçu
comme hommage, signe d’une fidélité à un grand classique.</p>
<div>
<head>Rodogune</head>
<p>Dans <hi rend="i">Laodice</hi>, les réminiscences fourmillent. Toutes nombreuses que
sont ces références, on sait à qui Thomas Corneille tenait plus particulièrement, et
ce qu’il en découle. Comment, en lisant <hi rend="i">Laodice</hi>, ne pas
immédiatement songer à « l’enfant terrible » du grand Corneille, « l’enfant » pour
lequel il nourrissait une « inclination aveugle »<note place="bottom">Pierre
Corneille, examen de <hi rend="i">Rodogune</hi>, 1660-1682.</note>, à la pièce de la
monstruosité par excellence, à <hi rend="i">Rodogune</hi><note place="bottom"
>Représentée en 1644 ou 1645.</note> ? L’allusion à la Cléopâtre de Corneille surgit
comme une évidence. Entre elle et Laodice, même éloignement géographique : l’Asie
Mineure est le théâtre de leurs agissements ; même situation : elles sont toutes deux
reines et mères ; même passion : elles sont toutes deux mues par une ambition
démesurée ; même moyens : l’infanticide. Toutes deux font preuve d’une énergie
exceptionnelle. Toutes deux manifestent une fureur opiniâtre dans la poursuite de
leurs desseins et surprennent par la domination qu’elles semblent exercer sur
elles-mêmes. « Tous [leurs] crimes sont accompagnés d’une grandeur d’âme qui a quelque
chose de si haut qu’en même temps qu’on déteste [leurs] actions, on admire la source
dont elles partent »<note place="bottom">Pierre Corneille, <hi rend="i">Discours de
l’utilité et des parties du poème dramatique</hi>, dans <hi rend="i">Trois
discours sur le poème dramatique (1660)</hi>, éd. cit., p. 55.</note>. Toutes deux
agissent encore dans une solitude imposée. Toutes deux horrifient par leur
monstruosité et fascinent dans le même temps par leur orgueil, leur intelligence et
leur apparente volonté. Toutes deux enfin ont posé problème à la critique quant à la
représentation des sexes dans la tragédie classique.</p>
<p>Exactement comme <hi rend="i">Rodogune, Laodice</hi> devrait soulever la question de
la classification du héros. Si Jacques Scherer<note place="bottom">Jacques Scherer,
<hi rend="i">La Dramaturgie classique en France</hi>, Paris, Nizet, 1986.</note> a
divisé le champs tragique de Pierre Corneille en deux camps, le camps des bons et le
camps des méchants, Doubrovsky<note place="bottom">Serge Doubrovsky, <hi rend="i"
>Corneille et la dialectique du héros</hi>, Paris, Gallimard, 1982.</note> en deux
zones, celle de la masculinité et celle de la féminité, Greensburg en deux pôles, un
pôle viril et un pôle efféminé, Doreena Ann Statamo<note place="bottom">Doreena- Ann
Statamo, <hi rend="i">Le renversement symétrique des rôles masculins et féminins
dans les pièces Rodogune et Horace</hi>, dans <hi rend="i">Papers on French
Seventeenth Century Literature</hi>, 1989.</note>, a défendu, pour sa part, un
bouleversement des zones masculines et féminines, décelable à partir d’<hi rend="i"
>Horace</hi>, contenu dans <hi rend="i">Héraclius</hi> – on noterait une égalité
homme-femme – et établi dans <hi rend="i">Rodogune</hi>. Selon D.A. Statamo, « on
transfère les caractères féminins à des personnages masculins et vice versa ».
Effectivement, l’on serait tenté de croire que Laodice, comme Cléopâtre, adopte une
attitude typiquement virile selon l’esthétique du XVII<hi rend="sup">e</hi> siècle,
alors que les personnages masculins semblent au contraire manifester une attitude
passive conventionnellement attribuée à la féminité. Comme a tenté de le montrer
Doubrovsky, Antiochus et Séleucus s’agripperaient aux valeurs naturelles, refusant le
choix du plus difficile, ce qui serait un gage d’héroïsme. Ils se condamneraient par
conséquent à la passivité. Suivant ce schéma de pensée, Ariarate ferait donc preuve
d’une faiblesse typiquement féminine puisqu’il ne semble pas plus acteur de la
situation. On pourrait croire, à première lecture, qu’il se contente de subir ou tout
au plus de réagir. C’est effectivement la reine qui demande à le voir à chacune de
leurs confrontations, c’est elle encore qui ordonne qu’il l’épouse ou qu’il tue le dit
Ariarate, c’est elle qui le désarçonne à chaque reprise et lui fait perdre sa
virtuosité dans l’équivoque, c’est elle qui l’horrifie en lui déclarant sa flamme et
le pousse à se démasquer, c’est elle qui le réduit au mutisme enfin.</p>
<p>Pourtant, on le sait énergique hors scène – Axiane et Laodice louent à plusieurs
reprises son courage, sa vertu héroïque – et c’est ce qui amène à une relecture du
personnage. N’oublions pas qu’il pilote de l’intérieur l’action de Rome. De plus, son
dévouement pour la Reine ne relève pas d’une attitude de faiblesse, mais d’une
générosité proprement héroïque. Soit, aucune attitude de rébellion ne semble le
libérer, il aspire à ce que la reine demeure au pouvoir et conserve une influence
prépondérante quand il s’y trouvera ; mais ceci, comme l’espoir de la mort (III,
3)<note place="bottom">v. 1053 : « Et bien, prenez ma vie, elle est à vous,
Madame. »</note>, (V, 2)<note place="bottom">v.1565 : « Haïssez un ingrat, perdez un
temeraire, » et v.1571 : « N’épargnez point mon sang, ce sang trop odieux / Qui
peut-estre en coulant vous l’expliquera mieux. » ainsi que v. 1577 : « Il me sera
plus doux… »</note>, bouleverse le classement que l’on serait tenté d’établir dans
un premier temps. En effet ce sacrifice héroïque montre qu’il va à l’encontre des lois
de la Nature. Il réfute donc une lecture du personnage en tant que rôle passif :
Ariarate est le véritable détenteur de la volonté dans la pièce. C’est lui qui est
maître de la situation et de lui même, tandis que Laodice est agie par son seul désir
de régner, par sa <hi rend="i">libido dominandi</hi>. Ses seuls intérêts l’aveuglent,
tandis que le véritable héros, Ariarate, agit pour le bien de l’Etat et celui de sa
mère.</p>
<p>Remarquons par ailleurs que classer Cléopâtre au rang des héros cornéliens relève de
l’extrapolation. Corneille dans son fameux propos « tous ses crimes sont accompagnés
d’une grandeur d’âme qui a quelque chose de si haut qu’en même temps qu’on déteste ses
action, on admire la source dont elles partent » ne mettait absolument pas sur le même
plan l’admiration suscitée par les vertus et actes de ses héros et l’admiration
suscitée par la source, soit le tableau dont partent les actions criminelles de sa
reine. Il s’agissait là d’un raisonnement purement esthétique et non bien entendu
éthique. Ce que l’on admire dans Cléopâtre comme dans Laodice, ce sont les qualités de
la transposition esthétique, la perfection de la peinture de leur caractère respectif.
À noter que si Thomas Corneille ne fait pas plus agir son héros que son frère les
siens, c’est en vue d’insister esthétiquement sur l’opposition éthique absolue entre
le héros – « Oronte », Antiochus, Séleucus – et le criminel – Laodice, Cléopâtre, à
qui Corneille n’a jamais attribué le terme d’héroïne mais de criminelle. Ainsi, plus
le héros tentera d’approcher de la perfection dans l’ordre de la vertu, plus le
criminel tentera pour sa part d’approcher de cette perfection, mais dans l’ordre du
crime et de la fureur démoniaque. C’est pourquoi ni Ariarate ni Antiochus et Séleucus
ne choisissent d’agir : pour faire face à la perfection criminelle de leur mère, il
leur faut inversement manifester une perfection dans la vertu. Voilà pourquoi les
trois personnages n’ont même pas la pensée de s’attaquer à leur mère, alors que ces
dernières restent parfaitement criminelles jusqu’à la mort.</p>
<p>De plus, si Laodice semble manifestement virile, elle est cependant condamnée à la
féminité, elle y est enchaînée. Là est son déchirement : durant toute la pièce elle
aspire à se libérer d’une nature pesante mais c’est pour elle qu’elle se bat et livre
une lutte stérile. Elle est effectivement mue par une peur de l’agression extérieure.
Elle retarde au maximum l’assaut final, de Rome avec l’introduction d’Aquilius au
Palais, du Peuple qui assiège la Cour de ce même Palais. Laodice est donc fatalement
féminine et c’est le viol de son espace privé qui constitue la crise tragique.
Laodice, d’autre part, est également enchaînée à une féminité qu’elle abhorre
puisqu’elle s’inscrit sous le signe de la division : Il faut en effet « ou périr ou
régner »<note place="bottom">II, 1, v.404.</note>, il s’agit encore « ou d’attendre
ou de lancer la foudre »<note place="bottom">III, 3, v.974.</note>, il faut également
« craindre son crime ou haïr sa vertu / (…) Pour [se] sauver de l’un, ou le punir de
l’autre »<note place="bottom">III, 3, v.1040 et 1042.</note>, il faut enfin
« Devenir [sa] victime, ou [se] faire la [sienne] / [et se résoudre enfin] / De perir
par (son) crime, ou de le prévenir<note place="bottom">v.2 et v.1590 et
1592.</note>. » Avant son entrée en scène, elle est également présentée de manière
kaléidoscopique. Axiane et Alcine, à la scène I, font allusion à son ambition
démesurée :</p>
<quote>
<l>Jalouse de l’éclat dont la couronne brille</l>
<l>La Reyne que le Trône a toujours sceu charmer<note place="bottom">v.13 et
47</note></l>
</quote>
<p>Aux scènes 2 et 3, « Oronte » rappelle le sombre passé de la reine :</p>
<quote>
<l>De cinq fils, tous enfans, restez en son pouvoir,</l>
<l>La mort söuilla son nom du crime le plus noir</l>
</quote>
<p>Il n’est question que d’elle au cours de l’acte I, et pourtant nulle part elle
n’apparaît encore. On lui confère un caractère obscur, on l’opacifie pour piquer
l’intérêt. On joue donc sur l’ambivalence. Cette duplicité, conventionnellement
attribuée aux femmes, constitue un principe négatif au XVII<hi rend="sup">ème</hi>
siècle. Elle n’est pas le Bien, qui lui est limpide, pur, clair. Laodice, divisée par
des points de vue divers, est diabolique avant même son entrée en scène puisque comme
le Diable, elle est division.</p>
<p>La délimitation du sujet peut également être en lien avec la question des sexes. <hi
rend="i">A priori</hi> il s’agirait chez Thomas comme chez Pierre de la passion du
pouvoir. Dans <hi rend="i">Laodice</hi> comme dans <hi rend="i">Rodogune</hi>, le
désir d’accéder au rang suprême motive effectivement l’action. Chez Thomas comme chez
Pierre pourtant ce sujet n’est qu’un prétexte. De fait, on ne voit jamais les Reines
dans l’exercice du pouvoir. On pourrait, comme ailleurs, les voir donner des
instructions à un gouverneur, mais non. On ne sait si elles gouvernent bien ou mal, ni
pourquoi elles aiment autant régner. Le sujet n’est pas là. Dans <hi rend="i"
>Laodice</hi>, il est dans le repli, dans la tentative de négation du monde
extérieur. Laodice tente de nier le vouloir de Rome et celui du Peuple. Le long de la
pièce on la voit lutter pour étouffer la vie extérieure, s’en protéger, lui interdire
l’accès à l’espace privé du Palais. Malheureusement pour elle, cette vie du dehors
prend le pas et triomphe. L’enjeu véritable est donc le conflit entre l’extérieur et
l’intérieur.</p>
<p>Si le fait que l’on ne voit ni Laodice, ni Cléopâtre dans l’exercice du pouvoir se
justifie dans <hi rend="i">Laodice</hi> par son caractère secondaire, sa moindre
importance pour l’enjeu fondamental de la pièce, il n’est cependant pas anodin. <hi
rend="i">Laodice</hi> et <hi rend="i">Rodogune</hi>, toutes subversives qu’elles
semblent, s’inscrivent dans la conception contemporaine du pouvoir souverain. Dans son
article <hi rend="i">La femme au pouvoir ou le monde à l’envers</hi><note
place="bottom">Pierre Ronzeaud, <hi rend="i">La femme au pouvoir ou le monde à
l’envers, XVII<hi rend="sup">e</hi> siècle</hi>, 1975, n° 108.</note>, P. Ronzeaud
évoque l’exemple d’une estampe anonyme faisant le parallèle entre une femme partant à
la guerre et une mule fouettant le muletier. Cette comparaison révèle combien l’idée
d’une femme liée aux responsabilités de l’Etat semble contre nature aux contemporains.
Bien qu’envisagée sur le plan théorique lors de la loi salique, cette éventualité ne
se conçoit même pas au XVII<hi rend="sup">e</hi> siècle. Elle est perçue comme une
absurdité totale. Selon P. Ronzeaud, l’inconsistance des arguments appuyant cette
réalité prouve que son origine se trouve dans la crainte fondamentale d’une subversion
de l’ordre masculin. Si en Angleterre les données diffèrent, et permettent à la
littérature de donner jour à des reines telles qu’Elisabeth Thudor, souverainement
reines et dignes de régner, la femme au pouvoir dans le théâtre français ne pouvant se
référer à l’actualité contemporaine, ne se conçoit par conséquent qu’à travers la
norme de Rome. Si femme au pouvoir il y a, ce ne peut être qu’une Livie ou une
Agrippine, une intrigante empoisonneuse. Toutes les Cléopâtre, les Lady Macbeth, les
Agrippine, les Laodice présentent l’intérêt au dramaturge de se livrer au récit
complaisant de leurs intrigues et de leurs fourberies respectives. Alice Kathé porte
un regard moins négatif sur ce fait. Il ne s’agit plus de complaisance de l’auteur,
mais d’une réalité imposée par l’infériorité physique des femmes. Elles sont donc
obligées, pour exercer leur pouvoir, de redoubler de détermination et d’ingéniosité,
d’agir par des moyens indirects, d’user de persévérance, d’avoir recours au mariage,
aux intrigues, aux menaces, ce qui est tout à leur avantage. En effet, Georges Couton
remarque, dans sa préface de <hi rend="i">Rodogune</hi><note place="bottom">Pierre
Corneille, <hi rend="i">œuvres complètes</hi>, Paris, Gallimard, bibliothèque de la
Pléiade, 1984.</note> que « Pour qui veut régner et n’est pas le plus fort, la
dissimulation est une vertu. Cléopâtre fait l’apologie de cette « Digne vertu des
Rois, noble secret de Cour ».</p>
</div>
<div>
<head>Les grands criminels</head>
<p>Nous l’avons dit, le théâtre classique est régulier. Il comporte des constantes. On
peut y observer des types de personnages récurrents. Laodice appartient à la catégorie
des monstres inaccessibles aux remords, auteurs de crimes spectaculaires. Les
personnages de Cléopâtre et Laodice, si étonnant soient-ils pour un lecteur moderne
sont donc parfaitement délimités, typiques, réguliers. Ils appartiennent à la famille
des Nabuchodonosor, des Médée, des Attila…, à la famille des grands criminels qui sont
les seuls inventeurs de leurs crimes et les revendiquent avec fierté. Ces monstres
éveillent une fascination esthétique. Le public en est friand parce qu’ils font naître
en lui un sentiment étrange, mêlé d’horreur et d’admiration. Majesté tragique oblige,
ces personnages n’accomplissent que de grands crimes.</p>
<p>Le nombre de noms et de types est donc très limité. « Les héros étrangers au
personnel du genre sont très rares » comme le dit J. Truchet<note place="bottom"
>Jacques Truchet, <hi rend="i">La tragédie classique en France</hi>, Paris, Presses
universitaires de France, 1997.</note>. Il est amusant et passionnant de remarquer
qu’un véritable réseau, très serré, lie les pièces entre elles. Truchet compare ce
processus au retour des personnages dans l’œuvre de Balzac. On peut effectivement
retrouver Laodice et Arsinoé dans <hi rend="i">Nicomède</hi>, mais leurs rôles sont
inversés puisque Arsinoé tient le rôle de la marâtre.</p>
<p>Dans la classification opérée par Truchet, <hi rend="i">Laodice</hi> entre dans une
catégorie bien précise : celle de la vieille reine inflexible et cruelle qui ne
travaille que pour elle et est prête à sacrifier ses enfants. Nous y trouvons bien
évidemment Cléopâtre, mais encore Athalie, Agrippine, Catherine de Médicis dans
Charles IX, Arsinoé encore, Marcella, Sira. Elles peuvent se battre pour leurs enfants
contre leurs beau-fils ou les rivales de leurs filles.</p>
<p>Laodice rappelle plus précisément toutes les furies célèbres du théâtre classique.
Elle est habitée par la même rage que Lady Macbeth, rage qui semble la pousser
également jusqu’au délire, même s’il n’est pas la folie de la seconde. À l’acte III,
scène 3, elle développe un discours agité empreint de paranoïa. Comme lady Macbeth qui
aspire à ce que « rien de la nature n’ébranle [son] dessein féroce », elle méprise
cette Nature puisqu’elle traite de « foiblesse / Ce que peut la Nature inspirer de
tendresse » et se targue du fait qu’elle ait « gémist, dans la mort de cinq
Fils »<note place="bottom">II, 1, v.461.</note>. Elle éprouve une identique
obsession pour le sang. Lady Macbeth demande aux forces du mal d’épaissir son sang,
veut en barbouiller le visage des gardes, et dans sa folie à l’acte V, cherche à s’en
laver ses mains. Son motif apparaît une vingtaine de fois dans le discours de Laodice
(III, 3) et (V, II). Par son caractère infanticide, on ne peut s’empêcher de penser à
Médée, mais le point commun s’arrête là. L’acte de Médée est motivé par l’amour, la
fierté et il s’agit d’un sacrifice pour elle qui aime ses enfants. D’autre part
Laodice considère l’amour comme une faiblesse. Elle rappelle Agrippine, encore, qui
parvient à ses fins à force de ruses, de manœuvres secrètes, et qui opère par
empoisonnements. Mais c’est Agrippine qui est tuée par son fils. Sans oublier Jocaste,
car l’on pense fatalement à Œdipe Roi dans l’éventualité d’un mariage mère-fils à
l’acte III. On se rappelle encore de <hi rend="i">Timocrate</hi> où le héros est
également présent à la cour où il a gagné sa faveur, et aime une princesse qui ne
connaît pas son identité.</p>
</div>
</div>
<div>
<head>Les tragédies de l’identité</head>
<p>Si l’on pense immédiatement à <hi rend="i">Rodogune</hi> en lisant <hi rend="i"
>Laodice</hi>, parce qu’il y a similitude troublante de sujet, il est surtout
fondamental de rapprocher la tragédie aux pièces <hi rend="i">Héraclius, Don Sanche
d’Aragon</hi> de Corneille ou encore <hi rend="i">Timocrate</hi>. Ces quatre pièces
ont en commun de se fonder sur un déguisement d’identité. Son ampleur dans le théâtre
moderne montre que loin de se réduire à un simple procédé, il constitue un véritable
phénomène au XVII<hi rend="sup">e</hi> siècle. Dans les quatre pièces, on constate que
le déguisement est revêtu par le héros, à savoir celui qui, comme le décrit Jacques
Scherer est « jeune, beau, malheureux, courageux, noble ». À noter que si l’on classe
« Oronte », Héraclius, « Carlos » dans la catégorie des héros, ce n’est pas
obligatoirement parce qu’ils sont ceux qui parlent le plus, mais parce qu’ils
constituent l’une des figures principales de la pièce. Remarquons encore que tous sont
des déguisements fondamentaux, puisqu’ils ont un effet déterminant sur l’action, lui
sont indispensables ainsi qu’à la présence sur scène du personnage qui le revêt. Tous
sont également des déguisements verbaux mais là s’arrête la parfaite concordance.</p>
<p>Si le déguisement de Timocrate est conscient comme celui d’« Oronte », l’effet produit
sur le spectateur diffère radicalement : le déguisement de Timocrate provoque la
surprise tandis que celui d’ « Oronte » instaure une ironie. Dans un cas le spectateur
se retrouve avec les victimes du déguisement, l’ignorant jusqu’à la reconnaissance
finale, dans l’autre il est mis dans la confidence et peut suivre en pleine connaissance
de cause l’évolution du jeu du personnage déguisé. Les données se compliquent dans <hi
rend="i">Héraclius</hi> et <hi rend="i">Don Sanche d’Aragon</hi> puisque l’on a
affaire dans les deux cas à une combinaison de deux déguisements. Deux personnages se
déguisent, consciemment pour l’un – Héraclius sait qu’il n’est pas Martian –
inconsciemment pour l’autre – Martian se croit Léonce puis Héraclius – dans <hi rend="i"
>Héraclius</hi>. Un seul personnage, en revanche, dans <hi rend="i">Don Sanche</hi>,
se déguise, mais consciemment et inconsciemment à la fois et l’effet n’est pas non plus
l’ironie mais la surprise du public.</p>
<p>Commençons par comparer <hi rend="i">Laodice</hi> à la seule autre tragédie : <hi
rend="i">Héraclius</hi>. Dans les deux pièces, le héros est l’héritier légitime d’un
trône usurpé et il lui faut dissimuler son identité à un tyran sanguinaire qui croit
l’avoir éliminé. Héraclius – « Martian » feint d’être le fils de Phocas tandis
qu’« Oronte » feint de ne pas être le fils de Laodice. C’est donc en pleine conscience
que les héros endossent une autre identité et jouent le rôle qu’impose la situation –
nouvelle ou non – ainsi créée. Martian, à l’inverse, se croit autre que ce qu’il est en
réalité. Ces déguisements sont verbaux, nous l’avons dit. À noter qu’il va de soi qu’un
déguisement verbal fonde tout déguisement conscient puisqu’il faut prétendre être une
personne fictive. Malgré ce que l’on serait tenté de croire, les prétextes des
déguisements des deux héros diffèrent : si Héraclius y a recours pour le pouvoir,
Ariarate cherche avant tout à « conquérir » sa mère, à s’attirer ses bontés. Le pouvoir
n’est pas sa principale motivation. Le prétexte du déguisement de Martian n’est pour sa
part pas un but mais une cause puisqu’il s’agit d’un déguisement inconscient. Si Martian
passe pour Léonce, c’est parce qu’il y a eu échange d’identité et de cette substitution
découle toute l’action. Si dans <hi rend="i">Laodice</hi>, comme il est plus courant,
l’héritier légitime a été éloigné du trône avant qu’on le fasse revenir sous les traits
d’un aventurier, il est ingénieusement laissé à la Cour dans <hi rend="i"
>Héraclius</hi>.</p>
<p>Sur le plan de la théorie, <hi rend="i">Laodice</hi>, comme <hi rend="i">Héraclius</hi>
dont elle est l’héritière, est construite sur un déguisement rhétorique, ce qui prend le
contre-pied, selon les textes, de l’héritage aristotélicien. En effet, deux conceptions
de l’utilisation du déguisement se font concurrence : à un déguisement classique fondé
sur la double détente – conséquences du déguisement puis reconnaissance qui vient
résoudre les problèmes suscités par le déguisement – et dont le but serait de ménager
une ingénieuse reconnaissance, on oppose un déguisement moderne, se rapprochant du
déguisement espagnol, et jouant davantage sur la superposition du masque et du visage.
Le plaisir provient plus alors du jeu sur l’ambiguïté qui court tout au long de la pièce
que de l’effet produit par la reconnaissance. À ce titre, <hi rend="i">Laodice</hi>,
pourtant conçue en pleine période classique par un auteur particulièrement rigoureux,
joue encore fortement avec l’ironie verbale propre au déguisement rhétorique, alors que
la tendance s’est inversée depuis 1660. Le déguisement auquel Thomas Corneille a recours
est pourtant, lorsque l’on scrute les textes, condamné de manière implicite par les
doctes puisqu’il suscite des complications consciemment et gratuitement renouvelées. Dés
l’acte II, le déguisement d’« Oronte » ne devrait plus en effet avoir lieu d’être
puisqu’il pense être parvenu à se faire aimer de sa mère. Le but initial de sa
dissimulation d’identité est atteint selon le point de vue du personnage. Pourquoi le
conserver alors, si ce n’est dans le but d’un développement dramaturgique de
l’ambiguïté ? Ce déguisement n’est même pas utile à son accession au trône puisque comme
il le dit lui même s’il n’avait eu pour seule ambition que celle-ci, il ne se serait pas
dissimulé pendant deux années durant. Comme dans <hi rend="i">Héraclius</hi>,
l’utilisation du déguisement dans <hi rend="i">Laodice</hi> n’est donc pas dramatique et
conforme à l’esthétique classique. Le déguisement ne porte pas essentiellement sur la
construction de la pièce. Comme dans <hi rend="i">Héraclius</hi>, il engendre une
hésitation constante entre l’être et le paraître, permet de jouer sur le langage et
conditionne les sentiments.</p>
<p>Sur le plan esthétique, les deux pièces diffèrent enfin. <hi rend="i">Laodice</hi>
obéit au principe de l’action médiatisée puisque Ariarate se déguise pour agir de
manière indirecte en contournant un interdit – la haine maternelle – et ce dans le but
de s’en faire aimer. <hi rend="i">Héraclius</hi> répond en revanche au principe de
l’action empêchée puisque le déguisement devient l’obstacle, le personnage devenant
prisonnier de son déguisement. Notons que le déguisement d’Ariarate se solde par un
échec : son but n’est pas atteint puisque sa mère l’aime d’un amour dénaturé même quand
elle apprend sa véritable identité.</p>
<p>Quant au risque d’inceste, fraternel dans <hi rend="i">Héraclius</hi>, parental dans
<hi rend="i">Laodice</hi>, ce qui est déjà plus rare, s’il est faux dans le premier
cas, il n’existe pas réellement dans le second. De plus il ne peut s’agir à proprement
parler d’une barrière du sang pour l’action du personnage déguisé dans <hi rend="i"
>Laodice</hi> puisque « Oronte » se déguise consciemment – il ne peut donc <hi
rend="i">a priori</hi> être aimé inconsciemment par son parent, ni croire qu’il aime
son parent à tort, ce qui sont les deux cas de figure possibles – pour vaincre un
obstacle – son déguisement relève de l’esthétique de l’action médiatisée et non de
l’action empêchée – ; le déguisement ne devrait donc pas devenir l’obstacle, comme dans
<hi rend="i">Héraclius</hi>. Mais nous reviendrons là dessus. Thomas Corneille, en
poussant Laodice à se dissimuler moralement et donc à cacher ses sentiments, créée tout
de même l’obstacle.</p>
<p>Penchons nous maintenant sur la question de la barrière du rang. <hi rend="i"
>Laodice</hi> rejoint cette fois <hi rend="i">Don Sanche</hi>. Le thème de la
mésalliance est en effet présent dans les deux pièces puisque « Carlos » et « Oronte »
se font passer tous deux pour de glorieux aventuriers dont deux reines et une princesse
sont respectivement amoureuses. Le déguisement qui affuble le héros d’une condition
inférieure à la condition de celle qu’il aime constitue l’obstacle autour duquel
s’organise l’action dans <hi rend="i">Don Sanche</hi>, tandis qu’il fonctionne comme un
faux obstacle dans <hi rend="i">Laodice</hi> – la conquête d’Axiane ne fait pas partie
de l’action principale. « Oronte » pourrait mettre Axiane dans la confidence de sa
double identité, mais il la lui tait par jeu, non par véritable interdit comme Timocrate
qui est l’ennemi direct de la personne aimée ou « Carlos » qui se croit d’une naissance
obscure. Mais si le thème de la mésalliance occupe une grande place dans la fiction
narrative occidentale et se montre efficace sur le plan dramatique, il ne faut pas
oublier que pour le XVII<hi rend="sup">e</hi> siècle, il n’est pas de valeur sans
noblesse. Par conséquent, ce thème ne peut être conçu en dehors du cadre des fausses
apparences. La mésalliance en tant que telle est impensable : la légitimité
aristocratique n’est certainement pas en cause.</p>
<p>Aussi la mésalliance est-t-elle présentée et perçue comme un véritable danger dans les
deux pièces : Elvire, Isabelle et Axiane ne songent pas seulement à avouer leur amour.
Dés les premières scènes, Elvire laisse surprendre par sa mère les sentiments qu’elle
porte à « Carlos » (I,1), Isabelle laisse entrevoir malgré elle qu’elle pourrait l’aimer
(I,3) et Axiane fait entendre à sa suivante que « [son] cœur en succombant s’est caché
sa defaite<note place="bottom">I, 1, v. 110.</note> » mais chacune se reprend vite,
rappelant qu’elle sait ce qu’elle se doit. Ainsi Elvire : « Je sais ce que je suis, et
ce que je me dois. » Isabelle pour sa part se réprime par la prétérition :</p>
<quote>
<l>Soit que j’aime Carlos, soit que par simple estime</l>
<l>Je rende à ses vertus un honneur légitime,</l>
<l>Vous devez respecter, quels que soient mes desseins,</l>
<l>Ou le choix de mon cœur, ou l’œuvre de mes mains<note place="bottom">I, 3, v.
289-292.</note></l>
</quote>
<p>quant à Axiane, elle « tâche à ( …) cacher » à Oronte / Ce qu’en vain de [son] cœur
[elle] voudroit arracher [et] s’observe sans cesse en tout ce qu’il [lui] inspire ».
Mais si Corneille sait jouer admirablement avec l’émotion conférée par le non-dit dans
les scènes d’entretien entre ses héroïnes et « Carlos », Thomas se montre plus
sentimental en laissant transparaître les sentiment d’Axiane (II, 2). Le contraste est
effectivement moins violent entre la sensibilité secrète et le masque public. En
quittant « Oronte » sur ces mots :</p>
<quote>
<l>Vous pourriez esperer le succez le plus doux,</l>
<l>Si l’orgueil de mon rang n’estoit pas contre vous.</l>
</quote>
<p>Axiane laisse entendre clairement son amour pour le glorieux inconnu. La retenue
amoureuse reste, mais il s’agit plus de préciosité, d’un jeu de cache-cache avec l’amour
que d’un souci, comme chez Corneille, de prêter à des reines des attitudes de reines. Si
Axiane affirme en privé qu’elle sait ce qu’elle se doit, elle finit contrairement aux
deux autres reines par avouer clairement ses sentiments (III,1) :</p>
<quote>
<l>Je ne t’en ay déjà que trop dit pour ma gloire,</l>
<l>Acheve de joüir de toute ta victoire<note place="bottom">V. 761-762.</note></l>
</quote>
<p>Au niveau de la structure interne des déguisements, il devrait donc y avoir distorsion
entre condition réelle et fictive des personnages. S’il y a effectivement contradiction
entre la naissance obscure de « Carlos » qui se croit fils de pêcheur et sa valeur
exceptionnelle, il faut remarquer qu’« Oronte », comme Timocrate, n’a pas changé de
condition en endossant son déguisement. Il a changé de rang puisqu’il reste le principal
soutien militaire de la reine ; Aucune de ses paroles par conséquent ne laisse planer le
doute sur son identité fictive : pour comprendre la double-entente, il faut connaître
l’identité réelle. L’adéquation entre apparence et discours demeure donc. La
double-entente n’est pas un manquement du personnage qui joue mal son rôle mais
inversement une réussite totale du déguisement. On préfère montrer un héros laissant
transparaître volontairement des marques de son moi véritable à travers un discours
ironique parce qu’il révèle une maîtrise du personnage sur son destin, tandis que la
distorsion révèle sa vulnérabilité.</p>
<p>Comme <hi rend="i">Œdipe Roi</hi>, comme <hi rend="i">Héraclius, Laodice</hi> est donc
avant tout « une tragédie de l’identité »<note place="bottom">Corneille Pierre, <hi
rend="i">Héraclius, empereur d’Orient</hi>, préf. de Georges Forestier, Paris,
Cicéro, 1995.</note>. Au delà des satisfactions intellectuelles suscitées par la
virtuosité mécanique du procédé, <hi rend="i">Laodice</hi>, comme <hi rend="i"
>Héraclius</hi>, soulève un enjeu plus profond. <hi rend="i">Laodice</hi> n’est pas,
comme <hi rend="i">Œdipe Roi</hi>, une tragédie de l’accès au savoir, elle n’est pas non
plus, comme <hi rend="i">Héraclius</hi>, une tragédie de l’impossibilité de savoir
puisque Ariarate, contrairement aux deux autres héros, connaît son identité. Le
déguisement devrait servir, comme il est fréquent, à surmonter un obstacle. Ariarate y a
effectivement recours pour surmonter l’obstacle de la haine maternelle et pour conquérir
sous une identité fausse un amour qu’elle n’offrirait pas à son fils. Comme dans <hi
rend="i">Œdipe</hi>, l’ignorance enferme les personnage dans un cercle infernal et les
mène droit à la crise tragique. Mais dans <hi rend="i">Œdipe</hi>, l’ignorance n’est pas
voulue et utilisée par les héros, ils y sont condamnés par le destin. Dans <hi rend="i"
>Laodice</hi>, l’ignorance résulte du libre arbitre des héros : Ariarate décide de
taire son identité à sa mère, Laodice décide de taire son amour à celui qu’elle ne
connaît que sous le nom d’Oronte. Le déguisement qui devait servir à surmonter un
obstacle devient l’obstacle, et c’est par là que <hi rend="i">Laodice</hi> rejoint <hi
rend="i">Héraclius</hi>.</p>
</div>
</div>
<div>
<head>Le classicisme trouble de Laodice</head>
<div>
<head><hi rend="i">Laodice</hi>, une tragédie classique</head>
<p>S’il existe une période de plein classicisme, <hi rend="i">Laodice</hi>, représentée en
1668 s’y inscrit précisément. Elle a donc toutes les raisons de répondre aux critères de
cette esthétique. Comme nous le savons, la production théâtrale des années 60 est
intense. De 58 à 73, Paris voit pour la première et dernière fois de son histoire
l’installation officielle de trois théâtres permanents. Les pièces représentées y sont
sans cesse renouvelées. Le pouvoir, qui accorde une large place aux fêtes royales, leur
prête son appui. On vient applaudir Corneille et Racine, dont la gloire est incontestée,
mais on s’enthousiasme également beaucoup pour deux dramaturges féconds et pleins de
talent : Quinault et Thomas Corneille. Comme le remarque Jacques Truchet, « tous
connaissent leur métier, respectent les règles d’un genre dont la discipline est
maintenant tout à fait fixée, le langage châtié et la versification rigoureuse ». Comme
il le remarque encore : « le Romanesque n’est pas mort, mais ses excès les plus voyants
sont contenus. (…) L’auteur de <hi rend="i">Timocrate</hi> a désormais intérêt à imiter
son frère ou Racine ».</p>
<div>
<head>Respect des règles</head>
<p>La littérature produite lors de cette décennie aspire à une perfection dont les
règles sont considérées comme un des moyens d’accès. On codifie, on construit, on
cisèle l’expression, on tente de mettre au jour des sortes de « cathédrales
littéraires », rigoureusement imaginées en vue d’éblouir le spectateur. Sans rigueur,
pas de cohérence, pas d’équilibre, pas d’harmonie possible. Sans rigueur, pas
d’admiration. <hi rend="i">Laodice</hi>, pur produit de cette décennie classique,
répond parfaitement aux exigences contemporaines. <hi rend="i">Laodice</hi> est une
pièce régulière. Formellement, elle est impeccable. Il s’agit bien de</p>
<quote>
<p>l’imitation d’une action de caractère élevé et complète (…) dans un langage relevé
d’assaisonnement d’une espèce particulière (…) par des personnages en action et qui
suscitant pitié et crainte opère la purgation propre à de pareilles émotions<note
place="bottom">Aristote, <hi rend="i">La Poétique</hi>.</note>.</p>
</quote>
<p>En effet, le sujet est de caractère élevé : de très hauts personnages – une reine,
des princes, un ambassadeur romain – entrent en conflit pour un grand intérêt d’Etat,
l’accès au trône de Cappadoce. Le sujet et les personnages sont tirés d’épisodes
obscurs de l’histoire ce qui a pour intérêt de laisser une liberté plus grande à
l’imagination, et de provoquer un éloignement propice à la majesté et au respect.
L’éloignement géographique participe également de cet effet.</p>
<p>Les trois unités sont respectées. L’intrigue met bien en scène une crise tragique,
elle même abordée le plus près possible de sa fin. Tout se concentre et se joue en une
journée. Le passé, l’avenir viennent s’actualiser en un moment. Ce moment incarne les
menaces depuis longtemps accumulées – les infanticides de Laodice, les rumeurs
véhiculées par le peuple, la connaissance romaine de ses agissements, la volonté de
placer l’héritier légitime sur le trône, le dévouement d’Ariarate dit Oronte pour la
reine qui lui a laissé le temps d’asseoir son amour pour lui – ; et il ouvre tout un
avenir – un règne légitime. Tout converge vers cette courte journée puisque la vérité
sur le passé y éclate : les crimes, la monstruosité de la reine sont révélés aux yeux
de tous, de même que la vérité concernant l’avenir. Dès le début de l’intrigue, Rome
et Ariarate connaissent en partie le dénouement, ils savent en tout cas l’issue du
combat, ils savent que tout est joué d’avance, que l’héritier règne pour ainsi dire
déjà. Fidèle aux procédés du théâtre classique, Corneille utilise l’accélération
temporelle pour appuyer celle du processus tragique. On note effectivement une ellipse
après la scène 5 de l’acte IV. Laodice et Anaxandre se réunissent en coulisse pour
fomenter un complot contre celui qu’ils prennent pour Ariarate. À partir de l’acte IV,
les scènes se raccourcissent et semblent donc se succéder de manière accélérée. L’acte
IV en contient sept et l’acte V, six, pour respectivement quatre, six et cinq scènes,
plus longues, aux actes I, II et III.</p>
<p>Comme le temps, le lieu joue un rôle prépondérant dans la tragédie. Le fait qu’il
soit unique, restreint, oppressant, alimente la tension tragique, transcendant la
contrainte de la règle d’unité. Nos personnages y semblent emprisonnés puisque nous ne
les voyons se confronter qu’entre les murs du Palais de la Reine. Ils en sortent
pourtant parfois, mais chaque fois reviennent comme attirés machinalement dans la
toile de Laodice. Le Palais semble un piège dans lequel elle voudrait retenir ses
sujets. Il apparaît également, vu du dehors, comme un espace fermé, sclérosé, dont
l’accès est rendu impossible. On retarde au maximum l’introduction des éléments
étrangers. Aquilius, représentant de l’extérieur n’en pénètre les murs que très
tardivement dans l’intrigue, à la fin de la scène 4. Le Peuple force son enceinte au
dernier acte, dernière scène. Trois personnages sortent et font le lien entre
extérieur et intérieur au cours de l’intrigue. Parmi eux on compte Théodot, mais il
n’apparaît qu’une fois, sa seule fonction étant de donner des nouvelles de
l’extérieur. N’ayant pas assez de consistance pour être considéré comme un personnage
de l’intrigue, il est peu important pour elle qu’il soit enfermé dans l’espace de la
reine. Axiane, annonçant, à la scène 2 de l’acte IV la mort subite du dit Ariarate et
la colère du peuple, de même qu’à la scène 4 de l’acte V, ne subit pas non plus de
manière absolue le joug de la reine. Quant à Phradate, il est le représentant de
l’extérieur à l’intérieur puisque sa fonction semble être la communication des faits
du dehors. À chaque apparition, hormis la première, il arrive en donnant des nouvelles
de ce mystérieux extérieur. Seule Laodice, finalement, ne quitte jamais le Palais,
malgré ce sentiment diffus d’emprisonnement. Cette impression d’enfermement est sans
doute suscitée par le caractère vampirisant du personnage de la reine, qui est animé
par un principe d’absorption. Il lui faut intégrer des éléments dans une intériorité,
les conserver dans un espace intime et clos, qu’il s’agisse de son corps – en lui
faisant désirer « Oronte », Thomas Corneille émet l’éventualité de la réintégration du
fils à l’intériorité de la mère. Qu’elle ignore le caractère incestueux de son désir
importe finalement peu. C’est l’éventualité de l’acte dans l’esprit du spectateur qui
prime –, ou de sa Cour – elle est mue tout au long de l’intrigue par la volonté de
conserver la sclérose initiale du Palais. Il faut prolonger l’immobilisme du pouvoir,
refuser l’accès aux éléments extérieurs facteurs de bouleversement.</p>
<p>Par ailleurs, l’enfermement progressif des personnages à l’intérieur de l’espace
scénique contribue à cette impression. Si, aux actes I, II et III ils ne fonctionnent
pratiquement que par binômes – sauf pour les annonces de mariages – privilégiant
l’intimité voulue par la Reine, et habituant le spectateur au calme du huis clos, nous
pouvons observer que la scène se peuple en revanche brusquement a partir de l’acte IV.
Scène après scène elle est progressivement submergée comme par une marée humaine, et
ce jusqu’à saturation. Effectivement, à la scène I, Laodice est seule avec Cléone. À
la scène 2 se joint Axiane, à la scène 3, Phradate, à la scène 4, Anaxandre, à la
scène 5, Ariarate. Le processus s’accélère à la scène 6. Le nombre de personnages
occupant l’espace scénique double. Ils sont désormais prêt d’une dizaine à l’occuper,
puisqu’ Aquilius, qui vient s’ajouter au groupe, est accompagné d’une suite de
romains. On se retrouve ainsi à dix à la scène 6 où seules Axiane et sa confidente
manquent au tableau. Cette unique absence préfigure le caractère vain des tentatives
d’enfermement de Laodice. Bien qu’insignifiante en apparence, elle ouvre une brèche.
L’espace scénique, comme l’enceinte royale, n’est pas imperméable. Il est possible de
s’y soustraire comme de s’y introduire : Axiane, élément intérieur, sort de scène –
bien qu’elle ne quitte pas le Palais à ce moment là. Mais ce qui importe, c’est
l’impact de cette sortie sur le spectateur – ; Aquilius, élément extérieur, rentre.
L’acte IV marque donc les derniers efforts de la Reine pour piéger et s’approprier ses
sujets. Après l’atteinte d’un paroxysme dans la contenance scénique, le monde de la
reine entre en déliquescence à l’acte V. Ses plans échouent : Anaxandre, son complice,
est tué. Elle apprend l’identité de celui qu’elle se destinait pour époux. Son monde,
maintenu en équilibre le plus longtemps possible, s’écroule de manière spectaculaire.
L’espace scénique s’est brutalement vidé. À la scène 2, Laodice et Ariarate sont
désormais seuls. Laodice, vaincue, enfin consciente du caractère illusoire de son
univers et vain de ses actes, se retire à son tour pour disparaître d’un espace qui
n’était pas le sien.</p>
<p>Plus largement dans la pièce, on note un effet de saturation progressive de l’espace.
On y investit l’espace intérieur mais aussi l’espace extérieur, la ville et le Palais.
L’espace intime, interdit de Laodice, cet espace oppressant est assiégé de toutes
parts : le champ extérieur – les coulisses – est progressivement rempli par le peuple,
le champ scénique – l’intérieur du Palais – se peuple progressivement, le champ mental
de la reine est progressivement envahi par Rome, le champs physique, quant à lui est
également investi puisque Laodice se donne la mort en y introduisant un poignard.</p>
<p>Rome au début de l’intrigue, se réduit à une idée : la nomination d’un nouveau roi,
peut-être à une personne, Aquilius, absente, dont on attend la venue. Rome, si
lointaine et abstraite aux premières scènes avance, se rapproche progressivement.
L’idée d’attente revient comme un leitmotiv jusqu’à l’acte IV. À la scène 1, dans les
tous premiers vers déjà, Axiane s’indigne que la reine se décide enfin à donner un roi
à la Cappadoce « sans daigner <hi rend="u">attendre</hi> qu’icy l’ambassadeur ait le
temps de se rendre ». Corneille choisit dans les scènes suivantes des termes comme
« amène », « arrivant » pour mettre en évidence la situation d’attente des
personnages. « Aquilius […] <hi rend="u">vient</hi>, il <hi rend="u">est plus
près</hi> qu’on ne croit » à la scène 3. On trouve encore : « <hi rend="u"
>attendant</hi> le Romain ». À l’acte II, toujours, « Aquilius ne <hi rend="u"
>vient</hi> que pour cet hyménée », « Aquilius <hi rend="u">vient</hi> entre eux
resoudre d’un maître, Aquilius <hi rend="u">est tout prêt d’arriver »</hi>, enfin , à
la scène 5, « Aquilius <hi rend="u">arrive »</hi> quelques vers plus bas. Mais il faut
attendre l’acte IV, scène 3 pour qu’ « Ariarate arrive […] <hi rend="u">suivy</hi>
d’Aquilius ». Quelques vers plus bas « Aquilius <hi rend="u">s’avance »</hi> toujours
et encore. À la scène suivante, on évoque encore « Aquilius <hi rend="u"
>s’avançant</hi> vers la ville ». Ce n’est qu’à la scène 6 qu’il paraît
définitivement et prend la parole. Si elle ne manifeste sa présence sur scène qu’à la
scène 6 de l’acte IV, Rome s’est déjà déployée à l’extérieur, comme le rapporte